Урок + презентации учащихся по теме Погрузитесь в искусство ( в рамках подготовки к итоговой аттестации по русскому языку в 9 классе- устная часть) в форме ОГЭ -

Третьяковская галерея - достояние мировой культуры.

Содержание:

1. Цели и задачи………………………………………………………………………...3

2. Проблема исследования………………………………………………………….….3

3. Пролог. Зачем идти в музей?......................................................................................4

4. Государственная Третьяковская галерея………………………………………..….7

5. История создания и приобретения коллекции ГТГ………………………………..7

6. Картины Третьяковской галереи…………………………………………..………10

   • В.В. Верещагин - «Апофеоз войны»……………………………………...10

   • И.И. Шишкин - «Утро в сосновом бору»…………………………………11

   • И.К. Айвазовский - «Черное море»………………………………………12

   • А.А. Пластов - «Сенокос»……………………………………………..…..13

   • А.А. Иванов - «Явление Христа народу»……………………………..….15

7. Заключение……………………………………………………………………...…..16

8. Список использованной литературы…………...…………………………………13

Цели и задачи:

• Узнать историю появления Третьяковской галереи в России.

• Познакомиться со знаковыми картинами музея и их создателями.

Проблема:

• Выяснить, почему картины, написанные русскими художниками, являются достоянием культурного наследия России и всего мира?

Пролог.

Слово учителя.

Зачем идти в музей?

Во- первых, музей дает возможность увидеть неизвестные образцы культуры - картины, которые мы называем шедеврами - общепризнанные уникальные творения. Прикоснувшись к ним, сопоставив с другими, созданными в ту же эпоху, мы получаем возможность вникнуть в их смысл и понять, почему эти произведения стали знаковыми для своего времени.

Во-вторых, музей предоставляет прекрасную возможность преодолеть границы времени.

В -третьих, музей позволяет приобрести опыт соприкосновения с подлинниками. Современная культура копирует подлинники.

Что дает подобный опыт зрителю?

Во-первых, это возможность проникнуть в творческую мастерскую художника: рассмотреть, как наложены мазки, какие приемы использованы для создания объема, какова фактура поверхности, структура материала, иными словами, то, что делает подлинник «живым», объемным, зачастую кардинально меняя наше восприятие.

Во - вторых , музей дает опыт общения с подлинником напрямую, без посредников, а это является гарантией формирования хорошего вкуса и интуиции, основанных на способности личности оценить «настоящее».

• Музей - идеальное пространство для освоения музейных способов познания мира и себя в этом мире.

• Музей помогает найти ценностные ориентиры и получить ответы на вопросы, волнующие нас сегодня. Музейные коллекции дают представление о нравственных ценностях, выработанных человечеством за долгое время его существования: здесь можно обнаружить примеры отваги и доблести, трусости и подлости, доброты и всепоглощающей любви.

К тому же опыт освоения пространства культуры - единого и не разделенного на области знания - дает возможность осознать мир как целостность, где всё взаимосвязано и где сосуществуют разнообразные модели мироздания. В процессе освоения мира культуры ученик имеет возможность выбрать те модели, которые составят основу его собственной картины мира, и те убеждения, которые станут впоследствии неотъемлемыми качествами личности.

• И, наконец, отметим, что именно музею принадлежит важнейшая роль в приобщении посетителей к современному «культурному коду». Культурно-символический код - этот тот набор значений, который обеспечивает включенность человека в смысловое поле современной жизни, что является необходимым для его успешной социализации.

Вывод:

Итак, как мы могли убедиться, культурно-образовательный потенциал музея огромен. Остается выяснить, как актуализировать возможности музейной коллекции. Вероятно, мы подошли к самому главному вопросу - что делать в музее, как организовать свое посещение музея, что бы оно было осмысленным и принесло нам только удовольствие?

Начинаем знакомиться с историей создания

Государственной Третьяковской галереей.

Глава № 1.

Государственная Третьяковская галерея принадлежит к числу крупнейших музеев мира. Ее популярность почти легендарна. Чтобы увидеть ее сокровища, сотни тысяч людей приезжают ежегодно в тихий Лаврушинский переулок, что расположен в одном из древнейших районов Москвы, в Замоскворечье.

Особенность и уникальность Собрания Третьяковской галереи заключается в том, что оно посвящено исключительно национальному русскому искусству, тем художникам, которые внесли свой вклад в историю русского искусства или которые были тесно связаны с ней. Такой была задумана галерея ее основателем, Павлом Михайловичем Третьяковым.

Глава №2

История появления и приобретения коллекции.

Павел Михайлович Третьяков (1832-1898 гг.) - продолжатель старинного купеческого рода, предприниматель, промышленник и меценат в 1856 году приобрел несколько полотен русских живописцев - это были Искушение Н.Г. Шидлера и Стычка с финляндскими контрабандистами В.Г. Худякова. Именно этот год считается Датой основания Третьяковской галереи. Следующими в коллекции появляются картины Соколова, Якоби, Саврасова, Клодта.

Третьяков планировал приобрести собрание полотен ещё одного русского мецената Ф.И. Прянишникова и дополнить его своими, что составило бы основу галереи, мысли о которой уже тогда зародились у коллекционера. Но в связи с высокой ценой собрание Прянишникова приобрести не удалось, поэтому Третьяков начал собирать коллекцию своими силами, полагаясь исключительно на свой вкус и свои знания.

С особым уважением Третьяков относился к таланту русского художника Перова, с которым поддерживал дружеские отношения. В 60-е годы в коллекцию были приобретены работы Перова: Сельский крестных ход на Пасхе, Тройка, Дилетант. Также Третьяков заказывал Перову портреты, а после смерти художника принимал непосредственное участие в организации выставки работ Перова.

Шестидесятые годы стали очень плодовитыми в плане появления в коллекции Третьякова новых полотен. Третьяков, любивший природу и тонко ее чувствовавший, особое внимание уделял приобретению пейзажей.

Кроме того, в собрании было много портретов, среди которых были портреты известных личностей, литераторов, деятелей культуры и искусства, исполненных такими признанными мастерами кисти как Брюллов, Тропинин, Крамской. В 1873 году Крамскому с трудом удалось уговорить Л.Н. Толстого позировать для портрета, чему был несказанно рад Третьяков - он уже давно мечтал пополнить портретную галерею изображением великого русского писателя.

Не ограничиваясь простым коллекционированием живописи, Третьяков дружил с художниками и оказывал им посильную помощь. В частности, живое участие Петр Михайлович принимал в судьбе художников-передвижников, с момента проведения выставок ТПХВ именно здесь он приобретает большую часть картин. Таким путем в коллекцию вошли картины «Христос в пустыне» Крамского, « Сосновый бор «Шишкина, «Грачи прилетели» Саврасова и другие известные картины. Особенно тесные дружеские отношения сложились с семьей Третьяковых у Крамского, некоторое время он жил в их доме в Лаврушинском переулке, и писал портрет Третьякова.

В 1874 году русский художник Верещагин после возвращения из поездки по Туркестану, проводил выставку своих работ, и Третьяков решил приобрести целиком всю экспозицию для того, чтобы подарить ее Московскому училищу живописи. Это было самое крупное и дорогое приобретение коллекционера, за него было отдано 92 тысячи рублей, но училище от подарка отказалось по причине отсутствия помещения. Тогда Павел Михайлович решил отдать коллекцию Московскому обществу любителей художеств. Обязательным условием было обеспечить доступность осмотра картин для всех желающих. Но и в этом случае средства не были найдены и по истечению трех лет картины снова вернулись к Петру Михайловичу, который к этому времени стал владельцем индийских этюдов Верещагина.

Все свои приобретения Третьяков размещал в доме в Лаврушинском переулке, но места уже не хватало, и в 1872 году было начато строительство музейных залов, которое закончилось в 1874 году. Временно проблема была решена, но после того, как в 1882 году к Третьякову вернулась туркестанская серия Верещагина, встал вопрос о дальнейшем расширении выставочных площадей, и были достроены еще шесть залов. Строительные заботы не мешали коллекционеру пополнять свое собрание все новыми и новыми произведениями искусства русских живописцев. В это время Третьяков уже полностью полагался на свой вкус, и приобретает не только те картины. Которые встречают всеобщее одобрение, но и те, которые ценители живописи встречают неоднозначно. В 1892 году галерея увеличилась еще на 6 залов, и в этом же году Павел Михайлович Третьяков передал ее в дар Москве. После смерти Третьякова галерея осталась без самого своего главного попечителя. В своем последнем завещании, Петр Михайлович, зная, что городская дума Москвы не сможет выделить необходимые для содержания галереи средства, завещал 150 тысяч рублей таким образом, чтобы проценты от этих денег шли на ремонт галереи и 125 тысяч на приобретение предметов искусства для пополнения экспозиции. Помимо денежных средств, галерее было завещано и недвижимое имущество, и собрание древних русских икон.

Из-за того, что завещание было составлено с рядом формальных нарушений, в силу оно вступило только в августе 1899 года, после того, как в дело вмешался лично император Николай II. В итоге, Московская дума приняла Положение об управлении Городской художественной галереей Павла и Сергея Михайловичей Третьяковых, согласно которому музеем должен был управлять совет Галереи. В первый состав этого совета вошли такие известные личности как князь В.М. Голицын, дочь Третьякова А.П.Боткина, художники В.А.Серов и И.С.Остроухов, коллекционер И.Е. Цветков. Должность хранителя Галереи получил Е.М. Хруслов. В это время был полностью перестроен жилой дом Третьяковых, его сделали целиком приспособленным для функционирования в режиме музея. Пополнение коллекции некоторое время осложнялось противоречиями внутри комиссии. У всех были свои взгляды и мнения по поводу того, что необходимо приобретать на средства, оставленные Третьяковым. Но после того, как на посту попечителя князя Голицина сменил Остроухов, комиссия приняла решение приобретать лишь лучшие произведения и старых и новых художников, чтобы достойно продолжить дело, начатое Третьяковым.

В 1910 году по завещанию ценителя искусств и мецената М.А. Морозова, Третьяковская галерея получила полотна французских живописцев К. Моне, Э. Мане, О. Ренуара, К. Писсаро, Э. Дэга и другие, не менее ценные произведения живописи. Новая эпоха в жизни Третьяковской галереи началась в 1913 году, когда совет возглавил художник и историк-искусствовед И.Э. Грабарь. Под его руководством экспозиция Третьяковской галереи была преобразована по принципу самых известных музеев Европы. Было решено картины каждого художника собрать в одном зале, кроме того, разместить экспонаты в хронологическом порядке, начиная от древнерусской иконописи и заканчивая произведениями современных художников. Также была проведена работа по составлению полного научного описания коллекции.

В 1930-е годы экспозиция галереи начинает реформироваться. Приоритетными направлениями становятся выставки произведений искусства революционной и советской тематики. После того, как к музею были присоединены Центральные реставрационные мастерские, фонд галереи пополнился уникальными иконами, которые были собраны Комиссией по сохранению и раскрытию памятников древней живописи, собранных из закрытых монастырей и церквей. Очень активно пополнялся и отдел советского искусства, в котором находились произведения А.А.Дейнеки, П.Д. Корина, П.П. Кончаловского, М.В.Нестерова, И.И. Машкова. Еще одним направлением в галерее стало Искусство народов СССР. 1935 год был ознаменован началом строительства нового двухэтажного здания для размещения выставок, а также выделения средств на реконструкцию старых помещений галереи. Строительство проводилось по проекту А.В. Щусева, и было закончено в 1936 году.

После начала Великой Отечественной войны в Государственной Третьяковской галерее началась активная деятельность по демонтажу и эвакуации экспозиции. Картины извлекали из рам и подрамников, накатывали на валы, упаковывали в металлические емкости и запаивали. Работы были проведены в сжатые сроки и уже в середине лета 1941 года в Новосибирск отправился эшелон с экспозициями первой очереди Третьяковской галереи (самыми ценными произведениями), Государственного музея нового западного искусства, Государственного музея изобразительных искусств имени А.С.Пушкина, Музея восточных культур. Вместе с экспонатами отправились в путь и сотрудники музеев. Ответственной за транспортировку был А.И. Замошкин, являвшийся директором Третьяковской галереи. По приезду в Новосибирск, музейные коллекции были размещены в недостроенном здании Оперного театра.

Тем временем, Москва подвергалась частым бомбардировкам авиации немецких войск, и в августе 1941 года в августе две фугасные бомбы разрушили часть главного здания Третьяковской галереи, а в ноябре был разрушен двухэтажный дом, в котором размещались различные службы музея. Эти события ускорили эвакуацию второй очереди коллекционного собрания. Экспонаты были погружены на баржу и должны были по воде следовать в Пермь (тогда - Молотов). Едва отчалив от Московского речного вокзала, баржа попала в зону воздушного боя, но, к счастью, получила лишь незначительные повреждения, не причинившие вреда ценностям. Третья очередь была отправлена в ноябре 1941 также в Новосибирск, в котором сосредоточилось колоссальное количество ценнейших произведений искусства из лучших музеев СССР. После того, как в сентябре 1942 года была вывезена четвертая очередь коллекции, в музее все равно осталось несколько тысяч экспонатов, художественные рамы и подрамники, которые охранял небольшой коллектив галереи, возглавляемый заместителем директора С.И. Прониным.

Уже в 1942 году начинается восстановление здания Третьяковской галереи. В новых залах была проведена всесоюзная выставка Великая Отечественная война, здесь же отметили знаменательное событие - 50-летие передачи Третьяковым своего собрания Москве.

После того, как советские войска отбросили захватчиков на запад, стало возможным возвращение музейных экспозиций из эвакуации, и в 1943 году их стали готовить к возвращению в Москву. Комиссия, в которую вошли искусствоведы, реставраторы и другие специалисты, пришли к выводу, что все возвращенные экспонаты находятся в отличном состоянии, началось размещение экспозиции в залах музея, и 17 мая 1945 года Государственная Третьяковская галерея была вновь открыта для посетителей.

Период с 1950 по 1970 гг. был очень плодотворным для музея. В дар Третьяковской галерее было передано несколько ценных художественных коллекций, которые еще больше обогатили замечательную коллекцию галереи. Среди картин, подаренных музею, были работы Бенуа, Петрова-Водкина, Рериха, Сарьяна, Саврасова, Врубеля и других художников.

В 1980 году Третьяковскую галерею возглавил Ю.К.Королев, под руководством которого началась грандиозная реконструкция галереи, которая ставила целью строительство крупного музейного комплекса с хранилищами. Музейными помещениями, конференц-залами. Нужно было не только модернизировать старое здание, но и сохранить его исторический облик.

В 1984 году при галерее был построен депозитарий (хранилище предметов искусства) и реставрационные мастерские, а в 1986 году Третьяковская галерея в Лаврушиснком переулке закрывается для посетителей. Часть произведений на время реконструкции была перевезена в музей на Крымском Валу, а часть - в депозитарий. В период длительной реконструкции музей не бездействовал, по-прежнему проводились выставки, которые

Спустя 9 лет, в 1995 году реконструкция была завершена, и обновленный музей открыл свои двери для посетителей. В результате проведенных работы площадь, предназначенная для размещения экспозиций, увеличилась в полтора раза - в музее появилось 10 новых залов. Благодаря таким изменениям стало возможным увеличить объем древнерусской экспозиции, открыть залы для скульптурных произведения 18-20 веков, а для панно Принцесса Греза Врубеля был спроектирован специальный зал.

На протяжении многих лет произведения из коллекции Третьяковской галереи можно увидеть на выставках в зарубежных и российских городах, сотрудники музея проводят научно-исследовательскую работу, осуществляют публикационную и популяризаторскую деятельность. На сегодняшний день собрание в собрании Третьяковской галереи находится около 150 тысяч произведений искусства и делится на несколько разделов: древнерусское искусство XII-XVIII веков - иконы, скульптура, мелкая пластика, прикладное искусство (ок. 5 тыс. экспонатов); живопись XVIII в. - первой половины XIX в., второй половины XIX века и рубежа XIX-XX веков (ок. 7000 произведений); русская графика XVIII в. - начала XX в. (свыше 30 тысяч произведений); русская скульптура XVIII в. - начала XX в. (ок. 1000 экспонатов); коллекция старых антикварных рам, мебели, прикладного искусства и огромный раздел (более половины всей коллекции) послереволюционной живописи, скульптуры и графики, размещающийся в помещениях на Крымском валу.

Глава №3

Среди множества произведений Третьяковской галереи можно выделить некоторых наиболее ярких художников и их картины. Предлагаю вам познакомиться с некоторыми из них.

Василий Васильевич Верещагин - «Апофеоз войны»

Василий Васильевич Верещагин родился 26 октября 1842 г. в Череповце в семье помещика. с 1860 по 1863 учился в петербургской Академии художеств. Оставив Академию, уехал на Кавказ, где пробыл около года. Затем уехал в Париж, где учился и работал под руководством Жерома.

Самостоятельная точка зрения Верещагина по вопросам войны, проявившаяся во время Туркестанской кампании и военной кампании в Болгарии в 1868 и 1878 годах, противоречащая царившим в обществе патриотическим настроениям, вызвала протесты официальных и даже антиправительственных кругов. Особенно поразила всех картина «Апофеоз войны», написанная по возвращении из Туркестана, изображающая груду выбеленных солнцем черепов в безжизненной пустыне. Простая символика прочитывалась всеми, художнику удалось создать реальный до натуралистичности и всеобъемлющий образ. Картина была написана в 1871 году, за 33 года до смерти художника. Картина была написана на исторический мотив. Великий полководец и завоеватель Тимур Тамерлан был очень мудрым и справедливым правителем. Основатель династии Тимуридов.

Во время одного из своих походов Тамерлану повстречался город, в котором мужчины, не понимая истинной ценности женского пола, всячески развращали их. Встретив полководца, женщины немедля рассказали ему о бесстыдниках. Тогда Тамерлан принял решение казнить развратников через отсечение головы. Этот приказ Тамерлан отдал своим войнам, а если кто из них пожалеет мужчину из злосчастного города, тому самому отрубят голову. Воины, то ли по страху, то ли по преданности принесли головы каждого мужчины. Из них завоеватель сложил 5 пирамид и оставил на растерзание солнцу и воронью.

Посмотрите внимательно на картину.

На ней изображена одна из тех самых пирамид. Эта пирамида, видимо, простояла не меньше десяти лет, так как она состоит из людских черепов.

Над ней, навевая страх на людей, летают вороны, пытаясь выковырять из остатков людей хоть кусочек еды.

На заднем плане, справа от черепов, изображены руины - развалины того самого города. Разбитая стена говорит о том, что была осада, в результате которой тамерланцы выиграли сражение.

Вся эта картина выполнена в светлых тонах. Засушливая пустыня, в которой уже долго не было дождя, засохшие деревья, развалины древнего города, и белые, местами пожелтевшие от старости черепа. Всё это создает ощущение страха, тайной, которую никто не хотел бы открыть.

«Апофеоз войны» - это суровое осуждение художником захватнических войн, несущих смерть, уничтожение, разрушение. На раме картины художник начертал знаменательные слова: «Посвящается всем великим завоевателям, прошедшим, настоящим и будущим». Картина полностью сохраняет свою обличительную силу и до нашего времени, раскрывая преступность современной империалистической агрессии, обрекающей на уничтожение целые страны и народы.

Глава №4

Иван Иванович Шишкин - «Утро в сосновом бору».

Следующая картина может по праву считаться одной из самых знаменитых картин Третьяковской галереи. Более того, эта картина в наше время стала олицетворением пейзажной живописи, ее знают все от мала до велика. Ее изображения стали торговой маркой у производителей конфет, сладостей, сувенирной продукции, репродукции картины Утро в бору часто можно увидеть на открытках, много копий этой замечательной картины написаны современными художниками, которые висят на стенах различных кабинетов и в наших квартирах как украшение. Естественно эта картина - «Сосновый бор» Шишкина.

Иван Иванович Шишкин - замечательный русский художник-пейзажист, родился в купеческой семье, в Елабуге, на реке Каме, в лесной стороне 13 января 1832.

Окончив Московское училище живописи, ваяния и зодчества в 1856 году, будущий мастер учился в петербургской Академии художеств (1856-60). Особое значение для Шишкина имели натурные впечатления, полученные в родных местах.

В 1866 году в биографии Ивана Шишкина состоялось возвращение в Петербург. Путешествуя по России, Шишкин представлял затем свои полотна на выставках. Природа для художника - само совершенство, именно она может облагородить человека. С именем Ивана Шишкина связано представление о жизни русского бора, о дебрях лесной глуши, напоённых запахом смолы и преющего бурелома. Творчество художника - восторженная ода, воспевающая красоту и мощь русского леса. Недаром И.Крамской говорил: "До Шишкина в России были пейзажи надуманные, такие, каких нигде и никогда не существовало." Главные творческие достижения И.И. Шишкина подчинены одному - прославлению силы и богатства родной природы.

Он написал много картин соснового леса, среди которых - «Утро в сосновом бору». Картина является одним из самых ярких и заметных произведений в творчестве художника Ивана Шишкина. На картине перед нами в мельчайших подробностях предстает утренний лес. Неприступные сосны-исполины стоят на страже густой стеной, чтобы незваный гость не проник в эту удивительную лесную страну, не нарушил ее покой. Вот деревья, раскинувшие ветви своей роскошной кроны навстречу первым лучам солнца. Словно братья и сестры, держащиеся за руки, переплели сосны свои ветви. Вот одна из них слегка наклонила свою макушку, как будто ей так не хочется просыпаться от приятного сна. В центре - поваленное дерево. Может, оно не выдержало могучего ветра, а может, просто высох от возраста его ствол. Его-то и облюбовала медведица с медвежатами. Она вывела своих детей на утреннюю прогулку. И медвежата радостно резвятся на поваленном дереве. Что-то привлекло их внимание, и двое малышей стараются разобраться, что же именно. Но их братика больше увлекает восход солнца. Приподнявшись на задние лапки, он старается увидеть, откуда же идет тот самый дивный свет, постепенно наполняющий всю лесную чащу. А солнечные лучи тем временем уже залили весь лес на заднем плане и пробираются к медвежьей семье. И вся картина, наполненная этим светом, создает ощущение радостного пробуждения природы. И это ощущение усиливается сочетанием света и тени, мастерски переданным автором, с помощью которого он стремится передать нам свои чувства, свое восхищение этой красотой.

Картина «Утро в сосновом бору » отличается от многих других картин Шишкина тем, что в этой картине изображена медведица с тремя медвежатами. Этих живо написанных медведей на самом деле изобразил не Шишкин, а его товарищ коллега, с которым Шишкин часто вместе занимался творчеством, художник К. А. Савицкий. Сказать, что Шишкин совсем не умел рисовать животных, это не верно. Шишкин иногда рисовал различных коров и овечек. Утро в сосновом бору картина была единственным случаем соавторства, художник Савицкий по окончании работы 1889 году со своими медведями в этой картине также подписался рядом с подписью Шишкина, но при покупке картины меценатом Третьяковым, произошел инцидент, меценатом настойчиво было указано, что подпись Савицкого необходимо убрать. Коллекционер считал, что основная работа все-таки была сделана Шишкиным, медведицу с медвежатами он не считал главными в этой картине. Сюжет с медведями в картине, конечно, способствовал широкой популярности, но основной ценностью картины «Утро в сосновом бору» считалось идеально отраженное художником состояние природы, то есть сосновый бор утром. Особое место в картине занимает туман, подчеркивающий воздушное пространство произведения.

Глава №5

Иван Константинович Айвазовский - «Черное море»

В живописи нет другого более прославленного и любимого народом певца моря, чем И. Айвазовский. Художник, проживший долгую жизнь, написал около четырех тысяч картин. Но каждая из них по-своему своеобразна и не обычна. В молодости он изображал безмятежную тишину моря, залитого золотом солнечных лучей или серебристым светом луны. Позднее его увлекал кипящий штормом образ моря. В старости он воспевал мужество человека, побеждающего бушующий океан. Родился художник 17 июля 1817 года в Феодосии. Сначала учился в гимназии в Симферополе, затем в 1833 году поступил в Петербургскую Академию художеств. Появившаяся на академической выставке в 1835 году первая картина Айвазовского "Этюд воздуха над морем" сразу же получила хвалебные отзывы критики. С того времени и до наших дней море Айвазовского стало любимо каждым из нас. Море предстает у Айвазовского как бы основой природы, в его изображении художнику удается показать всю жизненную красоту могучей стихии. Айвазовский был последним и самым ярким представителем романтического направления в русской живописи.

Среди многих картин Айвазовского особенно выделяется картина "Черное море". На картине бесконечное небо и беспредельный океан, оживленный могучим движением воды. Мы видим, как ревет океан, и как бегут к далекому горизонту пенистые гребни высоких волн. Мы любуемся красотой суровой стихии. И эта стихия нам дает понять, что не человек царь природы. Крамской о картине Айвазовского "Черное море" сказал: «Это океан беспредельный, не бурный, но колыхающийся, суровый, бесконечный. Это одна из самых грандиозных картин, какие я только знаю».

Картина была написана в 1881 году в скупой, сдержанной красочной гамме, повышающей ее эмоциональное воздействие. Картина свидетельствует о том, что Айвазовский умел видеть и чувствовать красоту близкой ему морской стихии не только во внешних живописных эффектах, но и в едва уловимом строгом ритме ее дыхания, в ясно ощутимой потенциальной мощи ее. И, конечно, в этой картине он демонстрирует главный свой дар: умение показать пронизанную светом, вечно подвижную водную стихию.

Волна и небо - две стихии наполняют все пространство картины, где-то далеко маленький силуэт корабля. Едва намеченный кистью, он уже привносит человеческое начало в пейзаж, задает масштабы произведения и делает нас, зрителей, соучастниками изображения, сопереживающими не только стихиям природы, но и человеку внутри нее. Тем более, что само Черное море не спокойно. Айвазовский называл картину "Черное море. Шторм начинается". За этими словами одни зрители видели в картине зарождающуюся революционную стихию, другие же видели эмоциональный образ, передающий душевные переживания, показывающий неразрывную связь человека и природы: море волнуется, ритм его валов столь верно уловлен художником, что и зритель начинает ощущать беспокойство, "широту дыхания" природы. Морские волны, как драгоценные камни, вбирают в себя множество оттенков зеленого и синего, их уже не назовешь словами. Прозрачная материя стекленеет у нас на глазах, она навеки застыла под кистью мастера. Туманная в глубине, светящаяся изнутри, она волшебной тканью скрывает подводное царство русалок и тритонов, загадочного жемчуга и причудливых растений. "Черное море" не самое масштабное по размерам полотно в творчестве художника, но это итог переживаний, осмысления любимого образа стихий и вершина мастерства Айвазовского.

Глава №6

Аркадий Александрович Пластов - «Сенокос»

В Третьяковской галерее находится самая большая коллекция картин советских художников. Из них хотелось бы выделить картину художника Пластова «Сенокос».

Аркадий Александрович Пластов - советский живописец, народный художник СССР , действительный член АХ СССР Окончив духовное училище и семинарию, учился в московском Строгановском центральном художественно-промышленном училище и на скульптурном отделении Московского училища живописи, ваяния и зодчества.

С 1935 Пластов писал преимущественно жанровые картины, проникнутые глубоким знанием и поэтическим восприятием природы, жизни русской современной деревни и её людей. С большой проникновенностью Пластов прославлял благородный труд и духовную красоту советского крестьянина. Его работам свойственна непринуждённая простота композиции с расположением крупных фигур обычно на первом плане и мажорная яркость тёплых красок.

Как в утренней капле росы отражается весь радужный мир, пронизанный пением рожка, птичьим гомоном, мычанием коров, криком петуха, стрекотом далеко идущего трактора и голосом ветра, разгоняющего румяные облака на алеющем небосводе, так и в картине «сенокос» собрана вся радость нашей земли. Июнь. Сенокос. Мы словно слышим, как звучит каждый цветок из этого тысячецветного букета и как звенят нежными аккордами сиреневые, голубые, лазоревые, бирюзовые, желтые, шафранные, пунцово-багряные, пурпурные и золотые колеры. Мощно звучат трубы вознесенных ввысь белоствольных берез, и, как аккомпанемент этой полифонии июня, рассыпаются серебряной трелью колеблемые летним ветерком миллионы листьев. И как порою в симфонии после напряженного крещендо, когда каждый инструмент оркестра, вложив всю силу, сочность и своеобычие своего голоса в общий поток звуков, отдыхает в мерном, ласковом адажио, так и в полотне «Сенокос" мудрый художник, рассыпав перед зрителем драгоценную мозаику цветоносного июньского травостоя, дает отдохнуть глазу, раскинув перед ним волшебный ковер озаренной солнцем поляны... И опять, как в музыке симфонии, подчиненной незримому закону контрапункта, где одни ритмы сменяют другие, так и в холсте мы видим соразмерное чередование темных перелесков, изумрудных лугов, синеющей вдали дубравы. И, наконец, как финал в этом ликующем гимне радости, как заключительный аккорд, как самая торжественная нота в этом созвучии - над всем этим великолепием раскинулось высокое небо. Наступила на миг тишина, и мы услышали кукушку и гудение мохнатого шмеля, трудолюбивую песню пчелы и мерное стальное звучание косы. "Сенокос" - симфоническая поэма, гимн родной земле, победоносному народу, выстоявшему и победившему в жестокой, кровавой войне.

Волшебство этой картины Пластова - в высокой метафоричности языка живописца. Ведь насколько монументален, возвышен должен быть пластический словарь произведения, чтобы взяв, казалось, самый древний сюжет из сельской жизни - сенокос, дать почувствовать зрителю грандиозность этой мирной панорамы, величие этой звучащей тишины. Ведь за всей этой бурлящей радостью жизни зритель тех дней невольно представлял себе всю бездну страдания и смертей, которую принял народ в недавние страшные годы. Напомним дату создания полотна - 1945 год. Точнее, лето 1945 года, и тогда еще яснее и точнее перед нами встанут весь масштаб гражданственности этого пластовского шедевра, вся правда этого удивительного полотна. Философия холста становится для нас еще более убедительной, когда мы узнаем, что люди, изображенные на картине "Сенокос", не просто натурщики, изображающие косцов, а близкие, родные, товарищи Пластова, его односельчане. Этот холст - соединение самого широкого обобщения и монументальности, подлинности изображения.

Ведь юноша на переднем плане - сын художника Николай, женщина в белом платке похожа на супругу Наталью Алексеевну, а два пожилых косаря - земляки Аркадия Александровича - Федор Сергеевич Тоньшин и Петр Григорьевич Черняев. В этой доскональности, подлинности весь пафос самой творческой судьбы Пластова. Ведь с самых первых шагов живописец ни разу не изменил своего, однажды заведенного святого порядка: каждый год писать с натуры жизнь родной Прислонихи, ее людей, их радости и заботы. И если хоть на миг представить себе собранными в одном месте, пусть это будет музей или выставка, весь тысячелистный альбом рисунков, всю необъятную массу холстов, то перед нами предстанет неоценимая панорама жизни одного села, возведенная до звучания летописи, страны.

Глава №7

Александр Андреевич Иванов - «Явление Христа народу»

В заключении хотелось бы рассказать о самой масштабной по всем параметрам картины Третьяковской галереи «явление Христа народу». Изначально Павел Третьяков приобретал эскизы, поскольку саму картину приобрести было невозможно - она писалась по заказу Академии художеств и была как бы уже куплена ей. И только в 1927 году, после расформирования музея в Санкт-Петербурге картину доставили в Третьяковскую галерею, но так как подходящего помещения не нашлось, картина была выставлена на все общий показ только в 1932 году, после пристройки дополнительного зала к основному корпусу. Поговорим о самой картине и истории её создания. «Явление Христа народу» написал Знаменитый русский исторический живописец Александр Андреевич Иванов. Он родился 16 июля 1806 г. в Санкт-Петербурге. В одиннадцать лет он поступил "вольноприходящим" учеником в Императорскую академию художеств, где воспитывался под руководством своего отца.

Покровительствовавшее Иванову общество решило послать его на свой счет за границу, для дальнейшего усовершенствования. В 1830 г., написав требующуюся картину, Иванов отправляется в Италию.

С 1831 по 1858 художник жил в Риме, посетил города Средней и Северной Италии, Венецию, Неаполь. Во время проживания в Италии, в 1837 -57 годах Иванов принимается за осуществление монументального программного произведения "Явление Христа народу", выдвигающего проблемы всемирно-исторического значения. Эта картина стала жизненным подвигом художника. В ней, как и в раннем замечательном произведении "Аполлон, Гиацинт и Кипарис", художник выразил свои мысли о влиянии божественного и возвышенного на преображение человека. Основное содержание сюжета картины - начало освобождения и нравственного возрождения человечества. Сложная многофигурная композиция картины включает в себя людей различных сословий и характеров. Иванов трактовал евангельский сюжет как реальное историческое событие. Мы видим приход Спасителя к толпе "лиц разных сословий, разных скорбящих и безутешных" (по словам художника), собравшихся вокруг Иоанна Крестителя на берегу Иордана. Пророк вдохновляет толпу надеждой на избавление от бед и страданий, указывая на приближающегося Сына Божьего. Все в картине подчинено идейному замыслу художника, каждый персонаж получил глубокий идейно-психологический смысл. Иванов, сохраняя связь с традициями классического монументализма, достигает необычайной глубины философского обобщения и трактовки темы. Работая над картиной ,он глубоко вдумывался в сюжет, детально изучая тему, делал множество этюдов и зарисовок, менял первоначальную композицию и ее подробности. Двадцать лет трудился А. Иванов над своим полотном. Для таких произведений недостаточно одного гения художника и познаний им искусства, необходимо еще высшее настроение духа и способность неотлучно пребывать с идеей, пока она вполне не созреет в уме и не выразится художественными средствами на полотне. Именно таким был А. Иванов, это просвечивало даже в его кротких глазах, утомленных работой. Он отказался от заманчивых надежд славы и богатства, как отшельник, погрузился в созерцание своей идеи и только в окончании труда видел для себя награду. И награда ждала его: картина получилась огромной и величественной: 5,4 на 7,5 метров. Но не размер главное достоинство этой картины. Эта картина величественна, и как никакая другая правдоподобно изображает сюжет первой главы Евангелие от Иоанна. Каждый из многочленной толпы людей написан в самых подробных чертах и каждый из них имеет историю. Славянофил А.С. Хомяков писал: "Видеть картину Иванова не только наслаждение, но гораздо большее: это событие жизни".

Заключение

Собрание картин Третьяковской галереи сохраняет память о прошлых столетиях в истории России. Прекрасные полотна художников-реалистов не только радуют красотой взгляд зрителя, но и воспитывают, отражая в живописных образах жизненные проблемы.

Список литературы:

1. www.liveinternet.ru/users/2667009/post81618187

2. www.artsait.ru/art/

3. www.tretyakovgallery.ru/

4. wikipedia.org/wiki

5. www.otdihinfo.ru/catalog/158.html

6. www.msk-guide.ru/tretiyakovka.htm</</u>